以我對李承翰照片的認識，比起書本，顯然他的作品更適合展覽。展覽裡的一切同時發生，有著無比絕妙的空間感。每次看他的照片，都覺得照片與照片間的內容明明無關，方框外的世界卻好像正透過邊緣的黑暗連通著那樣。
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他好像具現出一個黑暗空間，再用相機取下現實生活的物件扔進裡面。
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看過這次雙個展「味噌湯」裡的作品《原來沒有這個煩惱》就會注意到散落於展牆、地上、擠在柱子與天花板上的照片混亂無序，像隨手貼上似地出現在這個空間。此處的空間並非僅僅指實際上的好地下藝術空間，更是指李承翰具現的黑暗空間，而無序也並非真的無序，他應該是刻意切斷此張與下一張之間的語意連結，進而使每張照片都完全獨立存在。

在這樣的設計下，觀看者雖然可以自由地從任何地方觀看展覽，卻會因為失去引導，而覺得抽離又頓挫，也會產生斷裂感以及看不懂的不安。比如說那甫進展間便映入眼簾，卻沒有任何功用的大型車子照片。

我想，車子是很好的開場，直白、有啟程的隱喻，好似邀請觀看者與攝影家一同展開夜遊。但李承翰是很糟糕的司機，既不知道該往哪裡開，還叫我們憑藉本能摸索前進。於是我們看了呼拉圈、一串紙蓮花、鐵捲門、樹幹、箭頭等……這些東西到底有什麼意義？他們怎麼可以如此沒有關聯性地存在這裡。但司機早就消失，我們什麼都做不了。

只有不斷忍耐下去，才得以意識到黑暗空間。

觀看者終於發現車子不能開，引擎聲也不過是收音機的音效，自己從頭到尾都沒有移動過。方才見到的東西其實都在旁邊，只是眼睛逐漸適應黑暗而開始看見而已。再過一會，觀看者突然會了解，鐵門沒辦法打開、往上的樓梯其實不能走、紙蓮花硬梆梆的，畫有箭頭的路更是哪裡都通不過去……它們都徒有「形狀」了。

那我們還能做些什麼呢？在物件完全失去內在意涵的此刻，我們能關注的，或許就只有其本身的造形了吧。李承翰慣用閃光燈拍照，把物件外型固定得清楚銳利，卻將存於內在的功能性、人類的氣質予以肢解、剝除，這使本應熟知的事物顯得陌生、蒼白而疏離。有次我跟他一起去夜拍，他拍了我的背影，後來我收到照片，卻完全認不出自己的背影。說起來這幾乎是攝影的明喻，相機拍的，不就是只剩下形狀的東西嗎？

展間裡的照片有大有小，材質也各有不同。普遍而言，用銀鹽相紙製作、或是刻意大張的照片比較有珍貴、自信與重視的感覺；較小的照片則有僅限一人觀看的私密感。觀看者會隱約覺察攝影家對每張照片細微的態度差異，進而思索展覽邏輯，去親近、遠離作品。

而在《原來沒有這個煩惱》裡，每一張照片都沒有因為材質、尺寸大小而增減觀看價值。或許是因為事物的功能早已被剝除，一台車、一棵松樹與一片草皮除了造型，並沒有任何差異，離觀看者較近的東西就放大，較遠的就縮小，僅此而已……唯有左側展牆，一張放大到A1大小的空曠運動場照片例外。
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